Instrumentos de cuerdas.

Los instrumentos de cuerda producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, cuya vibración resuena en la caja de resonancia que tienen. Estas cuerdas están tensadas entre dos puntos del instrumento y se hacen sonar pulsando, frotando o percutiendo la cuerda.

En la orquesta clásica, se llama cuerdas al conjunto de instrumentos de cuerda frotada formado por los grupos de:

 VIOLINES.

VIOLAS.

VIOLONCHELOS.

CONTRABAJOS.

INSTRUMENTOS DE CUERDA PULSADA.

A este grupo pertenecen los instrumentos en que las cuerdas se pulsan con los dedos, con las uñas o con un plectro o puntilla sujetado entre los dedos, que suele ser de plástico (aunque también existen ejemplares de madera).

1. Sin mástil y sin teclado: arpa, lira y cítara.
2. Sin mástil pero con teclado: clavecín, espineta y virginal.
3. Con mástil y sin trastes: laúd árabe, dobro, guitarra de tres puentes, guitarra portuguesa, kora y steel guitar.
4. Con mástil y con trastes: guitarra,banjo,mandolina, bandurria, laud, bajo, ukelele.

Canto gregoriano.

El canto gregoriano, inicio como canto cristiano (es un tipo de canto llano: simple, monódico, sin saltos: movimientos porgrados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana.

Sus orígenes son de la práctica musical de la sinagoga judía y del canto de las primeras comunidades cristianas. La denominación canto gregoriano se le atribuye al Papa San Gregorio Magno, siendo una evolución del canto romano confrontado al canto galicano. El canto gregoriano no fue compuesto ni siquiera recopilado por el Papa Gregorio I Magno. Fue a partir del siglo IX cuando se asocia su nombre a este compendio musical, sobre todo a partir de la biografía de Juan el Diácono.

Desde su nacimiento, la música cristiana fue una oración cantada. El canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y es el que le da sentido a ésta. Por lo tanto, al interpretarlo, los cantores deben haber entendido muy bien el sentido del texto. En consecuencia, se debe evitar cualquier impostación de voz (sin sobresaltos) de tipo operístico en que se intente el lucimiento del intérprete. Del canto gregoriano es de donde proceden los modos gregorianos, que dan base a la música occidental. De ellos vienen los modos mayores y menores, y otros cinco menos conocidos

CARACTERISTICAS GENERALES

• Las partituras del canto gregoriano están escritas en tetragramas.
• Tiene un ritmo sometido ante todo al texto latino.
• Es una plegaria cantada y la expresión de una religiosidad.
• Es un canto monódico (solo existe una línea melódica) y a cappella (carece de acompañamiento), interpretado por voces masculinas. Las voces lo interpretan en forma coral (tanto la Asamblea de fieles como la schola cantorum), en forma solista (el celebrante o presidente de la celebración, o uno de los cantores de la schola cantorum.
• Están escritos en latín, exceptuando el Kyrie Eleison, que está en griego.
• Todas las piezas gregorianas son siempre modales, y dentro de los modos gregorianos o modos eclesiásticos existen 8 tipos.
• Se suele hablar de tres estilos de canto gregoriano, que se clasifican dependiendo de la cantidad de notas diferentes que se cantan por sílaba. Cuando hay 1 nota por sílaba se llama estilo silábico, cuando hay de 6 a más tonos por sílaba se llama melismático y cuando hay alternancia entre canto silábico y melismático se llama canto neumático.
• En el canto gregoriano, la forma musical está definida por el contexto litúrgico en donde se interpretan las piezas.
• En este tipo de canto, la línea melódica no es muy movible, es decir, no hay grandes saltos en la voz. Por lo regular la línea se mueve por segundas, terceras, cuartas o quintas.
• El repertorio gregoriano es anónimo.

Hay varios tipos de canto gregoriano:

• Según la forma del canto pueden ser: estilo responsorial (alternancia de un solista con un coro), estilo antifonal (alternancia de dos coros) y estilo directo (sólo hay un coro o un solista)
• Según el tratamiento melódico: canto melismático (más de una nota por sílaba), canto silábico (una sola nota por sílaba)y canto neumático (alternancia entre canto melismático y silábico)
• Según el tipo de texto: bíblicos(aparecen en la Biblia) y no bíblicos (no aparecen en la Biblia).

to llano (simple, monódico, sin saltos: movimientos porgrados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en ocasiones es utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de canto llano.

Figuras rítmicas.

Signo que representa la duración de un en una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de una nota es mediante la utilización del color o la forma de la cabeza de la nota, la presencia o ausencia de la plica así como la presencia o ausencia de corchetes con forma de ganchos Cuando aparece situada en un pentagrama con clave establecida, determina también la altura del sonido.

1.- Corchete
2.- Plica
3.- Cabeza

Alteraciones.

Las alteraciones son los signos que modifican la entonación (o altura) de los sonidos naturales y alterados. Las alteraciones más utilizadas son el sostenido, el bemol, y el becuadro.

• El bemol: baja el sonido un semitono cromático y se presenta con el signo ♭.
• El sostenido: sube el sonido un semitono cromático y se representa con el signo ♯.
• El becuadro: cancela el efecto a las demás alteraciones. Se representa con el signo ♮

• 

Silencios.

En música un silencio o pausa es un signo que representa gráficamente la duración de una una pieza musical. La manera gráfica de indicar la duración relativa de un silencio es mediante la utilización de una serie de símbolos diversos cuyos rasgos se modifican, como por ejemplo la ubicación en el pentagrama o el número de ganchos que tienen.

Por ejemplo.-  

Cada figura musical cuenta con su correspondiente silencio que representa su mismo valor o duración. Se puede considerar que el silencio es una nota que no se ejecuta. La combinación de silencios utilizados para marcar las pausas sigue las mismas reglas que para las figuras musicales.

El silencio tiene dos funciones:

• Separar las frases musicales, y
• Proporcionar un tiempo de descanso y de respiración, en el caso de cantantes e instrumentos de viento.

En el siguiente cuadro aparecen los distintos tipos de silencios,junto con las figuras musicales a las que corresponden y el valor relativo que tienen en un compás de 4/4.

Nombre	Silencio	Figura	Valor
Silencio de redonda
Silencio de blanca
Silencio de negra
Silencio de corchea
Silencio de semicorchea

Clave de Fa.

Cada uno puede hacer la clave de Fa como quiera, ya que no tiene un sitio determinado. La clave de fa se ha representado con dos símbolos distintos, aunque uno de ellos en la actualidad está en desuso. Ambos símbolos provenían de una versión estilizada de la letra F, que en la notación musical anglosajona simboliza a la nota fa. Esta clave sitúa a la nota fa₃(fa₂ según la notación franco-belga, fa₄ según la notación de Riemann y F₃ en notación científica americana) sobre el pentagrama, y tiene dos posiciones distintas sobre el mismo, o bien sobre la tercera línea, o bien sobre la cuarta línea. Su situación sobre una o sobre otra línea lo marcan dos pequeños puntos, uno encima del otro, que se colocan a la derecha de la clave y delimitando la línea a la que se refiere.

Clave de fa en cuarta

La clave de fa que se sitúa en la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de faen cuarta y hace más tiempo se denominaba también clave de bajo, ya que para la música vocal la partitura de los bajos estaba escrita en esta clave. Es la clave en uso que permite escribir sobre el pentagrama sonidos más graves. En la actualidad, la usan sobre todo los bajos de la cuerda frotada, como el violonchelo y el contrabajo, y los instrumentos más graves de la familia del viento metal, como por ejemplo la tuba o el trombón.También usada en percusión (redoblante, timbales, platillos, bombo, caja, etc). También se usa para la mano izquierda del piano, que da sonidos más graves que la mano derecha, que se escribe en clave de sol.

Clave de fa en tercera

La clave de fa que se sitúa en la tercera línea del pentagrama se denomina clave de faen tercera. Se utilizaba como clave de transición para instrumentos de tesituras graves. Una denominación más antigua era clave de barítono, ya que en la música vocal, las partituras escritas para estos cantantes se escribía en esta clave. Se usa muy poco, o casi nada.

Clave de fa en quinta

En alguna ocasión se ha usado la clave de fa situada en la quinta línea del pentagrama, como el caso del compositor Heinrich Schütz, pero en la actualidad no se utiliza. Daría el mismo nombre a las notas que la clave de sol en segunda línea, pero la tesitura sería dos octavas más grave. Es la clave que proporciona la tesitura más grave de todas las posibles combinaciones de claves en el pentagrama

Clave de Fa en Cuarta la más utilizada.

La clave es un símbolo usado en notación musical, cuya función es asociar las notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama.

La clave de Sol

El símbolo usado para representar esta clave se basa en un espiral parecido a una G, unida a una especie de S. La clave de sol en la notación musical moderna se coloca en la segunda línea del pentagrama empezando por la de abajo, y esa colocación se guía por el inicio de la espiral que la forma. Durante el Barroco se la conocía como clave italiana. También se la denominaba “clave de violín” (puesto que las partituras para este instrumento se escriben en esta clave) o “clave de G” (utilizando la notación musical anglosajona). En inglés se denomina treble clef (‘clave para agudos’) y a veces “clave francesa”.

Esta clave se encarga de situar al sol₄ (sol₃ en notación franco-belga, sol₅ en notación de Riemann y G₄ en notación científica americana) en la segunda línea, lo que quiere decir que el resto de las notas que estén escritas sobre la partitura se nombran a partir de esa. Es la clave que da la posibilidad de representar sonidos agudos, de manera que es la que usan los instrumentos con tesituras más altas. Sobre todo la usan el oboe, la flauta, el violín, algunos instrumentos de percusión, y la mano derecha del piano (a diferencia de la mano izquierda, que lee usualmente en clave de fa). En la música vocal, tanto la voz soprano como la contralto están escritas en esta clave si bien, en sus orígenes, esto no era así ya que cada una tenía una clave propia. La clave de sol es la más usada en la actualidad.

Situación de las notas en clave de Sol.

¿Qué es la armonía?

En música, la armonía es la disciplina que estudia la percepción del sonido en forma vertical o simultánea en forma de acordes y la relación que se establece con los de su entorno próximo.

Como otras disciplinas humanas, el estudio de la armonía presenta dos versiones: el estudio descriptivo (es decir: las observaciones de la práctica musical) y el estudio prescriptivo (es decir: la transformación de esta práctica musical en un conjunto de normas de supuesta validez universal).

El estudio de la armonía sólo se justifica en relación con la música occidental, ya que la Occidental es la única cultura que posee una música polifónica, es decir, una música en la que se suele ejecutar distintas notas musicales en forma simultánea y coordinada. De modo que, a pesar de que el estudio de la armonía pueda tener alguna base científica, las normas o las descripciones de la armonía tienen un alcance relativo, condicionado culturalmente.

En la música occidental, la armonía es la subdisciplina que estudia el encadenamiento de diversas notas superpuestas; es decir: la organización de los acordes. Se llama le acorde a la combinación de tres o más notas diferentes que suenan simultáneamente. Cuando la combinación es solo de dos notas, se llama «bicordio». Esto también puede ser considerado un acorde.

La armonía se refiere al aspecto "vertical" de la música, que se distingue del aspecto horizontal.La idea de vertical y horizontal es una metáfora explicativa, relacionada a la disposición de las notas musicales en una partitura: verticalmente se escriben las notas que se interpretan a la vez, y horizontalmente las que se interpretan en forma sucesiva.

En la escolástica musical, el contrapunto es una disciplina complementaria a la armonía (y que se confunde con ella), pero que se centra más en la elaboración de melodías que sean combinables simultáneamente que en los acordes resultantes de tal combinación.

¿Qué es la melodía?

Una melodía es la sucesión de sonidos que es percibida como una sola entidad. En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo, mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompa ñamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano.

Este vocablo llegó al castellano proveniente del latín  "melodia". Este término latino, a su vez, provenía del griego "melōidía" que significaba "canto coral" y era una palabra compuesta de [melos] que significa "canción,tonada,música,miembro de una tonada, parte de un grupo" y[aoidḗ] que quiere decir "canto, canción". 
Las melodías suelen estar formadas por una o más frases o  musicales y generalmente se repite a lo largo de una cancion o pieza musical en diversas formas. También pueden ser descritas en función de su movimiento melódico o las alturas o los intervalos entre alturas (sobre todo conjuntos o disjuntos o con restricciones), la gama tonal, la tensión y la relajación, la continuidad y la coherencia, la cadencia y la forma.

La melodía parte de una base conceptualmente horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo, y no vertical, como sería en un acorde donde los sonidos son simultáneos. Sin embargo, dicha sucesión puede contener cierto tipo de cambios y aun ser percibida como una sola entidad. Incluye cambios de alturas y duraciones, y en general incluye patrones interactivos de cambio y calidad. La melodía es una sucesión de sonidos, que normalmente sigue un esquema armónico.

Las melodías existentes en la mayor parte de la música europea escrita antes del S. XX y de la música popular en el siglo XX, se caracterizan por patrones de frecuencia mezclados y fácilmente discernibles, que recurren a eventos, a menudo periódicos, en todos los niveles de estructuras y a recurrencia de duraciones y patrones de duración.

[editar]

¿Qué es el ritmo?

Del latín "rhythmus", el ritmo es un orden acompasado en la sucesión de las cosas. Se trata de movimientos controlados.

El ritmo puede definirse como una combinación armoniosa de sonidos, voces o palabras, que incluyen pausas, silencios.

Las artes, por lo tanto, tienen en el ritmo una de sus características principales. En el caso de la música, el ritmo es la proporción existente entre el tiempo de un movimiento y el de otro diferente. La organización de los compases, los pulsos y los acentos determinan la forma en la cual el oyente percibirá el ritmo y, por lo tanto, la estructura de la obra.El ritmo simplemente es una serie de movimientos o pasos controlados por medios, musicales.

el ritmo musical engloba todo aquello que pertenece al movimiento que impulsa a la música asociando el tiempo. En los balies, el ritmo es quien gobierna los movimientos del cuerpo.

¿Qué es la música?

La música (del Griego: mousikē "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía, el ritmo, y el timbre, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas.

 El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor".

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: "la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo"

Los Dioses..

Los 10 mejores guitarristas del mundo,mundial.

Construcción/Constitución.

La estructura de la guitarra consiste básicamente en una caja y un mástil. La caja está compuesta por la parte trasera de ella que se llama tapa, la parte delantera llamada tapa armónica, el agujero de la tapa armónica llamado oído o boca, el adorno de la boca llamado roseta, la zona de unión de las tapas llamada aro, y la estructura en donde van las cuerdas llamada puente. El mástil está compuesto por el cuello, que es la estructura que une el mástil al aro de la caja en la zona trasera; el diapasón, que es la zona del mástil desde el cuello hasta el final; los trastes, que son tiras finas de metal que marcan los semitonos; la clavija o puente superior, que recibe las cuerdas para la zona en la cual se tensan llamada clavijero, por medio de las 6 clavijas. En el caso de la guitarra eléctrica, contiene micrófonos y controles de volumen y sonido, en lugar de un oído o boca; además de los trastes, tiene marcadores de posición en el diapasón y en la punta del clavijero, tiene un tensor de mástil.

Y algunas recomendaciones..

La manera de tocar la guitarra es apoyándola en el regazo, dejando el mástil hacia la izquierda. Las cuerdas quedan de abajo hacia arriba, desde la más aguda a la más grave (mi, si, sol, re, la, mi). Para tocar la guitarra de apoyan los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas, entre los trastes. Lo anterior hace que la cuerda quede en una longitud necesaria para emitir un sonido deseado. Una vez que están posicionados los dedos sobre las cuerdas que se desea tocar, con la mano derecha se tocan rasgueándolas, punteándolas o arpegiándolas. Cuando se toca un sonido a la vez se llama melodía, cuando se emiten dos o más se llama acorde y si se arpegia el acorde (tocando las cuerdas una tras otra y no el mismo tiempo) se llama armonía.

¿Que es la guitarra?

La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada se conforma de una caja de madera con un agujero acústico al centro de la tapa y un mástil con un diapasón o trasero en su extremo,donde van integradas seis cuerdas tensadas y en el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las diferentes notas. Es el instrumento más utilizado en géneros como rock,blues,flamenco y metal. También es utilizada en géneros tales como el tango, rancheras y/o gruperas, además del folklore de varios países. Instrumentos de la familia de la guitarra son el requinto, el charango y el guitarrón,este último es de uso frecuente por los mariachis.

El origen de la guitarra.

El origen de la guitarra no se tiene muy claro, se conocen instrumentos similares encontrados a lo largo de la historia que datan del año 1000ac. Con el paso del tiempo se fueron perfeccionando sus características, hasta llegar a el instrumento que conocemos hoy día. Uno de los padres de la Guitarra española fue Antonio de Torres Jurado,nacido el 13 de junio de 1817 fallecido el 19 de noviembre de 1892. Fue aprendiz de carpintero y artesano en la localidad almeriense de Vera, donde se casó con Juana López de Haro. Al enviudar de ella por una epidemia de tisis, dejó a su única hija con sus suegros y decidió emigrar a Sevilla,al trasladarse a Sevilla conoció al famoso guitarrista Julián Arcas, quien le animó en su trabajo. Allí volvió a casarse, esta vez con Josefa Martín Rosado. En 1870,se hizo comerciante de porcelanas y vidrio, debido probablemente a que la manufactura de guitarras no le proporcionaba suficientes ganancias y finalmente en 1883 fallece su segunda mujer,Torres tuvo que reanudar la construcción de guitarras para poder mantener a sus dos hijas más jóvenes. Las primeras guitarras Torres son del año 1852.